Carolee Schneemann (Fox Chase, Pensilvania, 12 de octubre de 1939-6 de marzo de 2019) fue una artista visual estadounidense especializada en performance, conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género.
Recibió un B.A. de la Bard College y un M. F. A de la Universidad de Illinois. Su obra se caracterizó principalmente por la investigación de las tradiciones visuales, los tabúes, y el cuerpo del individuo en relación con las entidades sociales. Sus obras se han exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el London National Film Theatre. Schneemann impartió clases en varias universidades, incluyendo el California Institute of the Arts, la School of the Art Institute of Chicago, la Hunter College y la Universidad Rutgers, donde fue la primera profesora de arte contratada. Además, publicó ampliamente, produciendo obras, tales como Cézanne, She Was a Great Painter "Cézanne, fue una gran pintora" (1976) y More than Meat Joy: Performance Works and Selected Writings "Más de carne Alegría: Obras de rendimiento y Escritos seleccionados" (1997).
Las obras de Schneemann se han asociado con una variedad de clasificaciones de arte como Fluxus, Neo-Dada, Beat Generation, y Happening.
Cuando era niña, sus amigos la describen como "una loca panteísta", debido a su relación y respeto por la naturaleza. Schneemann citó a su primera conexión entre el arte y la sexualidad de sus dibujos a las edades de cuatro y cinco, lo que basó en su dibujó recetas médicas de su padre. La familia Schneemann fue en general de apoyo a su naturalidad y gratuidad con su cuerpo. Schneemann se atribuyó el apoyo de su padre sobre el hecho de que él era un médico rural que tuvo que hacer frente a menudo con el cuerpo en varios estados de salud.
Schneemann fue galardonada con una beca completa al Bard College en Nueva York. Ella fue la primera mujer de su familia en asistir a la universidad, pero su padre le desalienta a una educación artística. Mientras que en el Bard, Schneemann comenzó a darse cuenta de las diferencias entre las percepciones de hombres y mujeres de los demás cuerpos, mientras que sirvió como modelo de desnudos para los retratos de su novio y mientras pintaba autorretratos desnudos. Durante la licencia de Bard y con una beca por separado a la Universidad de Columbia, se reunió con el músico James Tenney, quien asistió a la Juilliard School. Su primera experiencia con el cine experimental fue a través de Stan Brakhage, ella y el amigo de Tenney. Después de graduarse de Bard, Schneemann asistió a la Universidad de Illinois por su título de posgrado.
Carolee Schneemann comenzó su carrera artística como pintora en la década de 1950. Sus trabajos de pintura comenzó a adoptar algunas de las características del arte Neo-Dada, ya que utiliza las estructuras de caja junto con la pincelada expresionista. Estas construcciones comparten en gran medida las características texturales que se encuentran en la obra de artistas como Robert Rauschenberg. Schneemann describía el ambiente en la comunidad del arte en ese momento como misóginas y que las mujeres artistas de la época no eran conscientes de sus cuerpos. Estas obras integradas de la influencia de artistas como el pintor post-impresionista Paul Cézanne y los problemas en la pintura presentada por los expresionistas abstractos. Schneemann optó por centrarse en la expresividad de su arte en lugar de la accesibilidad o la elegancia. Se describía como una formalista, sin embargo, a diferencia de otros artistas feministas que querían distanciarse de la historia del arte de orientación masculina. Schneemann se involucró con el movimiento artístico de los happenings cuando organizó Journey through a Disrupted Landscape (Viaje a través de un paisaje Interrumpido), invitando a la gente a "arrastrarse, trepar, negociar las rocas, escalar, caminar, ir por el barro". Poco después conoció a Allan Kaprow, la figura principal de los happenings, además de artistas Red Grooms y Jim Dine. Bajo la influencia de figuras como Simone de Beauvoir, Antonin Artaud, Wilhelm Reich, y Kaprow, Schneemann se vio atraída por la pintura.
En 1962, Schneemann se trasladó con James Tenney de su residencia en Illinois a Nueva York cuando Tenney obtuvo un empleo en los Laboratorios Bell como un compositor experimental. A través de uno de los colegas de Tenney en Bell, Billy Klüver, Schneemann fue capaz de cumplir con figuras como Claes Oldenburg, Merce Cunningham, John Cage y Robert Rauschenberg, que consiguió involucrarse con el programa de arte de la Judson Memorial Church. Allí, participó en obras como Oldenburg's Store Days (1962) y Robert Morris's Site (1964) donde interpretó una versión en vivo de Olympia de Édouard Manet. Ella empezó a usar su cuerpo desnudo en las obras, sintiendo que tenía que ser aprovechada de nuevo en condición de un bien cultural. Schneemann llegó a conocer personalmente a muchos músicos de Nueva York y compositores de la década de 1960 y, entre ellos George Brecht, Malcolm Goldstein, Philip Glass, Terry Riley y Steve Reich. Ella estuvo también muy interesada en los expresionistas abstractos de la época, como Willem de Kooning. Sin embargo, a pesar de sus numerosas conexiones en el mundo del arte, las construcciones de pintura de Schneeman no generaron el interés de comerciantes de arte de Nueva York, aunque Oldenburg sugirió que no habría habido más interés de Europa. El primer apoyo para el trabajo de Schneemann vino de poetas como Robert Kelly, David Antin, y Paul Blackburn, que publicó algunos de sus escritos.
Producción en el trabajo de Schneemann, Eye Body (Los ojos del cuerpo) se inició en 1963. Schneemann creó un "loft del medio ambiente" lleno de espejos rotos, paraguas motorizados, y unidades de color rítmica. Para convertirse en un trozo del mismo arte, Schneemann se cubrió con diversos materiales como grasa, yeso y plástico. Creó 36 "acciones de transformación" - fotografías del artista islandés Erró de sí misma en su entorno construido. Se incluyen en estas imágenes un desnudo frontal con jardín de dos serpientes arrastrándose sobre el torso de Schneemann. Esta imagen se prestó especial atención tanto por su "erotismo arcaico" y su clítoris visible. Schneemann afirma que ella no sabía en el momento del simbolismo de la serpiente en las culturas antiguas en figuras como la diosa minoica serpiente y, de hecho, se enteró en años más tarde. A partir de su presentación al público en 1963, críticos de arte encuentran la obra obscena y pornográfica. El artista Valie Export observa Eye Body de la forma en que Schneemann retrata "cómo fragmentos al azar de la memoria y elementos personales de su entorno se superpone a su percepción".
La pieza de Meat Joy (Carne Alegría) 1964 giró en torno a ocho figuras parcialmente desnudas bailando y jugando con varios objetos y sustancias, entre ellas pintura fresca, embutidos, pescado crudo, trozos de papel, y pollos crudos. Fue estrenada en París y más tarde fue filmado y fotografiado como la realizada por su grupo Kinetic Theaterde (Teatro Cinético) de Judson Memorial Church. Ella describió la obra como un "erotic rite"("rito erótico") y un indulgente dionisíaco "celebration of flesh as material" ("celebración de la carne como material"). Meat Joy es similar a la forma de arte happening en que ambos utilizan la improvisación y se centró en la concepción, en el lugar de ejecución. Aunque su obra de la década de 1960 fue más basada en el rendimiento, continuó la construcción de conjuntos como el de Joseph Cornell de influencia Native Beauties (1962-64), Music Box Music (1964), y Pharaoh's Daughter (1966). Su Letter to Lou Andreas Salome (1965) expresó el interés filosófico de Schneemann que es mediante la combinación de garabatos de Nietzsche y Tolstói con una forma similar a Rauschenberg.
En 1964, Schneemann comenzó la producción de la película Fuses (Fusibles), finalmente acabado en 1967. Fuses retrata a Schneemann y su novio de entonces James Tenney tener relaciones sexuales según lo registrado por una cámara de 16 mm Bolex. Schneemann entonces alteró la película de coloración, ardor, y en dibujar directamente en el celuloide en sí, mezclando los conceptos de la pintura y el collage. Los segmentos se han editado junto a diferentes velocidades y se superponen con las fotografías de la naturaleza, que se yuxtaponen en su contra y los cuerpos de ella y Tenney, y de los órganos y actos sexuales. Fuses fue motivada por el deseo de Schneemann para saber si la representación de la mujer de sus propios actos sexuales era diferente de la pornografía y el arte clásico, así como una reacción al cortometraje de Stan Brakhage Window Water Baby Moving (ventana del bebé en movimiento del agua). Ella mostró la película a sus contemporáneos ya que trabajó en ella en 1965 y 1966, recibiendo comentarios positivos sobre todo de sus compañeros. Muchos críticos, la describieron como "exhibicionismo narcisista" y como auto-indulgente. Ella recibió una reacción especialmente fuerte en relación con la escena de cunnilingus en la película. Mientras que Fuses es vista como un filme "proto-feminista", Schneemann considera que fue descuidado en gran medida por los historiadores de cine feminista. La película carecía del fetichismo y la cosificación del cuerpo femenino como se ve mucho en la pornografía machista. Dos años después de su finalización, ganó el Festival de Cannes, Premio Especial del Jurado de Selección. El artista pop Andy Warhol, el cual Schneemann conocía, con el tiempo pasado en The Factory, jocosamente comentó que Schneemann debería haber tenido la película de Hollywood. Fuses se convirtió en la primera Autobiographical Trilogy (trilogía autobiográfica) de Carolee Schneemann. Aunque sus obras de la década de 1960 como ésta compartía muchas de las mismas ideas con los concurrentes artistas Fluxus, que se mantuvo independiente de cualquier movimiento específico. Sin embargo, constituyen la base para el movimiento de arte feminista, de los años 1960 y 1970. Schneemann señaló que la sexualidad de la película anula sus aspectos formales y estructurales para muchos espectadores.