Tarsila do Amaral wurde am 1. September 1886 in der Stadt Capivari im Landesinneren des Bundesstaates São Paulo geboren, in einer Familie großer Grundbesitzer und Kaffeeproduzenten. Dieser Kontext materiellen Wohlstands und einer relativen intellektuellen Offenheit ermöglichte ihr Zugang zu Chancen, die für Frauen ihrer Zeit selten waren, und sie nutzte sie mit einer Entschlossenheit, die die Grenzen der brasilianischen Gesellschaft des frühen 20. Jahrhunderts herausforderte.
Bereits als Jugendliche reiste Tarsila mit ihren Eltern nach Spanien, wo ihr Talent für Zeichnen und Malerei schnell Aufmerksamkeit erregte. Sie besuchte sogar eine Schule in Barcelona, wo sie sich damit beschäftigte, Kunstwerke aus lokalen Archiven und Museen zu kopieren. Nach ihrer Rückkehr nach Brasilien studierte sie bei dem Maler Pedro Alexandrino Borges in ihrer Heimatstadt und schrieb sich später an der Académie Julian in Paris ein, wo sie mit europäischen Künstlern in Kontakt kam, die sie mit ästhetischen Strömungen konfrontierten, die sich völlig von denen unterschieden, die sie kannte.
Die europäische Ausbildung war entscheidend, doch erst die Rückkehr nach Brasilien machte Tarsila zu einer einzigartigen Künstlerin. 1922, nach ihrer Ankunft in São Paulo aus Europa, wurde sie Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade und Menotti Del Picchia vorgestellt – der Gruppe, die Monate zuvor die berühmte *Semana de Arte Moderna* organisiert hatte. Diese Veranstaltung, die vom 11. bis 18. Februar 1922 stattfand, erschütterte die brasilianische Kunstszene, indem sie einen Bruch mit dem Konservatismus forderte, der die Künste des Landes dominierte. Tarsila schloss sich der Gruppe an, und gemeinsam wurden die fünf als *Grupo dos Cinco* bekannt.
Was diese Künstler verband, war die Suche nach einer genuin brasilianischen kulturellen Identität, die nicht bloße Nachahmung europäischer Stile sein sollte, sondern indigene, volkstümliche und nationale Elemente in eine moderne Sprache integrierte. Für Tarsila wurde diese Synthese zur kreativen Obsession. In einem Moment der Selbstreflexion schrieb sie 1923 aus Paris an ihre Familie: Sie wollte die Malerin Brasiliens sein, die Erinnerungen an ihre Kindheit auf der Fazenda wiederbeleben und das Mädchen, das mit Strohpuppe spielte, auf die Leinwand bringen. Diese Erklärung offenbarte nicht nur einen ästhetischen Anspruch, sondern auch eine politische und kulturelle Haltung gegenüber der Kunst.
In dieser Zeit in Paris studierte Tarsila bei André Lhote, Fernand Léger und Albert Gleizes und nahm Einflüsse des Kubismus, Futurismus und Expressionismus auf. Während europäische Künstler Inspiration in afrikanischen und primitiven Kulturen suchten, richtete sie ihren Blick auf Brasilien. Das unmittelbarste Ergebnis dieser Verschmelzung war das Gemälde *A Negra* (1923), das eine schwarze Frauenfigur mit stilisierten und geometrisierten Zügen vor einem Hintergrund abstrakter Formen zeigt. Das Werk markierte die Entstehung einer eigenen, mutigen Bildsprache.
Nach ihrer Rückkehr nach Brasilien Ende 1923 bereisten Tarsila und Oswald de Andrade, ihr damaliger Lebensgefährte, das Land auf der Suche nach Inspirationen für die Kunst, die sie schaffen wollten. Diese Reisen lieferten visuelles Material für viele ihrer späteren Gemälde und führten dazu, dass Tarsila das Gedichtband *Pau Brasil* illustrierte, das Oswald 1924 veröffentlichte. Das gleichnamige Manifest forderte, dass brasilianische Künstler etwas ausschließlich Nationales schaffen sollten – etwas, das kulturell exportiert werden könnte, so wie das Brasilholz einst materiell exportiert wurde. Tarsila unterstützte dieses Projekt mit Begeisterung, und ihre Farbpalette begann lebendigere Töne anzunehmen, inspiriert von den Farben, die sie aus ihrer Kindheit liebte.
Die Phase, die als *Pau-Brasil* bekannt wurde, brachte Gemälde hervor, die von ländlichen Landschaften, volkstümlichen Figuren, tropischer Vegetation und einer Lichtfülle geprägt waren, wie sie in der brasilianischen Malerei bis dahin selten zu sehen war. Es waren Bilder, die Brasilien feierten, ohne es naiv zu romantisieren, aber auch ohne es zu ironisieren. Es war ein liebevoller und zugleich anspruchsvoller Blick auf das Land.
Der Höhepunkt in Tarsilas Karriere kam mit dem Gemälde *Abaporu*, das 1928 fertiggestellt und Oswald de Andrade als Geburtstagsgeschenk überreicht wurde. Das Bild zeigt eine überproportional große menschliche Figur mit riesigen Füßen auf dem Boden und einem Kaktus im Hintergrund. Das Werk machte sofort Eindruck auf Oswald, der darin das Symbol eines neuen Manifests sah. Gemeinsam mit der Schriftstellerin Patrícia Galvão, bekannt als Pagu, verfasste er das *Manifesto Antropófago* (1928), das die symbolische „Verschlingung“ ausländischer Kultur forderte, um sie in etwas Neues und Brasilianisches zu verwandeln. Ohne es zu ahnen, hatte Tarsila das Gründungsbild einer der originellsten ästhetischen Bewegungen der brasilianischen Kultur des 20. Jahrhunderts geschaffen.
Neben der Malerei war Tarsila als Zeichnerin, Bildhauerin, Illustratorin, Chronistin und Übersetzerin tätig und zeigte eine intellektuelle Vielseitigkeit, die über ihr bildnerisches Werk hinausging. Eine seltene und kuriose Entdeckung über ihren Lebensweg wurde im November 2021 gemacht: Eine musikalische Komposition in a-Moll für Stimme und Klavier mit dem Titel *Rondo D'Amour*, die ihr zugeschrieben wird und aus der Zeit zwischen 1913 und 1920 stammt, wurde im Haus einer Großnichte in Campinas gefunden. Die Partitur wurde im Januar 2022 aufgenommen und enthüllte eine weitere Facette einer Künstlerin, die nie aufhörte zu überraschen.
Tarsila do Amaral starb am 17. Januar 1973 in São Paulo im Alter von sechsundachtzig Jahren. Sie hinterließ ein Werk, das die Zeit mit derselben Kraft durchdringt, mit der es geschaffen wurde: farbenfroh, radikal, brasilianisch und zutiefst menschlich. Bis heute gilt sie als die Malerin, die die Sehnsüchte der nationalen Identität am tiefgründigsten in Bilder übersetzte, und als eine der originellsten Stimmen des lateinamerikanischen Modernismus.